« C’était un espace musical sans frontières » : Peter Pejtsik revient sur le concert de Plácido Domingo, Dimash Qudaibergen et HAUSER

Le 18 avril, un concert mettant en vedette trois artistes de classe mondiale a eu lieu: Maestro Placido Domingo, Dimash Qudaibergen et HAUSER. En les soutenant, il y avait l’un des principaux orchestres symphoniques d’Europe, l’Orchestre hongrois Budafok Dohnányi, avec le compositeur, arrangeur et chef d’orchestre Peter Pejtsik sur le podium.

Il était la personne qui a façonné l’espace musical dans lequel les classiques de l’opéra, le crossover vocal contemporain et la virtuosité instrumentale sont devenus une partie d’un seul concept artistique. DimashNews a parlé avec Maestro Pejtsik de la création du projet, de ce qui s’est passé dans les coulisses et des moments clés de la préparation du concert.

Le Budafok Dohnányi Orchestra (BDO) est l’un des ensembles symphoniques les plus dynamiques et les plus polyvalents de Hongrie. Fondée en 1993 et soutenue par la commune de Budafok-Tétény, elle est rapidement devenue une présence significative sur la scène européenne. Sous la direction de Gábor Hollerung, l’orchestre s’est forgé une réputation d’ensemble également à la maison dans le répertoire classique, la musique contemporaine et les projets de crossover à grande échelle.

BDO a joué avec des artistes tels que José Carreras, Andrea Bocelli, Sting, et bien d’autres. Il est également un participant régulier à la série de concerts à la Liszt Academy of Music et à Müpa Budapest, où le projet Music+ transforme les concerts en formats qui combinent la musique avec d’autres formes d’art.

Dans ce cadre, le rôle du chef d’orchestre et compositeur Peter Pejtsik est particulièrement important – un musicien qui se déplace librement entre la musique académique, le rock, la musique de film et le crossover, et qui ne voit pas les genres comme des limitations.

Lorsqu’on lui demande comment des mondes musicaux aussi différents peuvent être unis dans un seul concert, il répond presque philosophiquement:

« Avoir une autre langue signifie avoir une seconde âme, » dit Charlemagne. « Les limites de ma langue signifient les limites de mon monde », a déclaré Wittgenstein. Il en va de même pour les langues musicales. Lorsque vous avez quelque chose à dire, vous choisissez la langue qui correspond le mieux au sens et à la situation.

Il souligne que Budapest et l’orchestre lui-même existent naturellement dans une intersection de styles:

« Budapest, en plus d’être un centre dynamique de la musique classique et contemporaine, joue également un rôle important dans l’industrie de la musique de film. Ici, avec nos musiciens, nous avons enregistré de nombreuses bandes sonores internationales. Et la musique de film couvre un éventail incroyablement large de styles, nous avons donc eu l’occasion de travailler dans presque tous les genres possibles. »

Selon lui, cette expérience fait de la flexibilité du genre une partie naturelle de l’œuvre plutôt qu’un compromis forcé:

« Je compose et j’interprète moi-même dans différents styles: de la musique classique contemporaine au prog rock, en passant par l’opérette et les comédies musicales. Nous avions donc déjà toute cette boîte à outils à notre disposition, et les différents styles du concert n’étaient pas un problème – au contraire, ils sont devenus un immense espace créatif où nous pouvions vraiment profiter du processus. »

Cependant, même avec une telle expérience, travailler avec des artistes du calibre de Domingo, Dimash et HAUSER reste, selon ses mots, extrêmement difficile au stade de la préparation:

« Il est toujours difficile de produire un spectacle avec des solistes de ce niveau. La phase de préparation devient généralement un véritable défi, surtout si vous voulez créer quelque chose de nouveau et unique plutôt qu’une autre performance standard. Tous sont très occupés par d’autres concerts, chacun a une grande équipe, son propre style de communication et ses propres horaires. Parfois, il est difficile de trouver un dénominateur commun, de coordonner les calendriers, de prendre des décisions ou de communiquer des changements. »

Dans le même temps, il note que l’interaction personnelle avec les artistes s’est avérée être inattenduement différente de ces difficultés:

« Sur cette base, on pourrait penser que travailler avec eux personnellement serait également difficile. Mais vous seriez surpris par leur sincérité, leur humilité et leur humanité. Par exemple, pendant les pauses de répétition, nous avons heureusement improvisé avec Dimash et Mansur; Maestro Domingo a toujours fait en sorte que nous ne surmenions pas l’orchestre, et ainsi de suite. »

Pour lui, un aspect particulièrement important était la confiance mutuelle entre tous les participants:

« En tant que chef d’orchestre, je suis particulièrement heureux que tous les solistes se soient dirigés vers nous et aient dit qu’ils se sentaient confiants et à l’aise sur scène. »

L’énergie du concert lui-même, selon Pejtsik, a commencé avant même la première note:

« Pour être honnête, j’ai été vraiment surpris par la réaction de notre merveilleux public au moment où je suis monté sur scène. Je ne pouvais pas croire mes oreilles: les applaudissements étaient quelque chose que vous n’entendez parfois qu’à la fin d’un concert. J’ai donc même décidé de le vérifier auprès du public en montrant ma surprise: «Est-ce réel? Ou est-ce que je rêve ? » – et ils (c’est-à-dire vous !) répondit encore plus fort. Ce moment a donné le ton pour toute la soirée, et de là l’énergie n’a fait que croître. »

Le processus de préparation, admet-il, était extrêmement intense, et le moment le plus difficile était l’absence forcée de HAUSER pour des raisons de santé:

« La préparation a été vraiment longue et épuisante: nous avons dû résoudre de nombreux problèmes, atteindre différents objectifs et répondre à un large éventail de demandes et de besoins. Il y a eu beaucoup de moments difficiles, mais le plus difficile de tous était certainement l’absence inattendue de HAUSER.

Nous avons dû résoudre cela d’une manière qui nécessiterait le moins de changements possible au programme déjà imprimé. Cela signifiait créer de nouvelles dispositions de toute urgence, trouver des solistes invités, organiser des répétitions supplémentaires, gérer la communication et de nombreux autres problèmes. »

Parmi les enjeux musicaux, il met en avant deux œuvres notamment.

« Du point de vue de la préparation, la tâche la plus difficile a été la refonte de dernière minute de Game of Thrones.

En termes de performance, la pièce la plus difficile était Adoro – un duo touchant entre le père et le fils (Plácido Domingo et Plácido Domingo Jr.). Quand j’ai commencé la pièce, l’atmosphère entre eux sur scène était si chaude qu’ils n’étaient pas encore prêts à entrer. J’ai tout de suite ressenti cela, alors j’ai ramené l’orchestre au début après quelques bars. Heureusement, nous avons réussi à le faire sans arrêter ou redémarrer la pièce. J’espère que le public ne l’a même pas remarqué. »

Un autre élément important et inattendu du programme était l’inclusion de Durdaraz – une pièce qui n’existait pas à l’origine dans un arrangement symphonique.

« Bien que nous aimions tous les chansons symphoniques à grande échelle, larges, lentes et à mi-tempo de Dimash, j’ai senti que pour une expérience de concert vraiment riche et aux multiples facettes, nous avions également besoin d’une pièce rapide avec une énergie différente. C’est pourquoi j’ai choisi Durdaraz, même s’il n’avait pas auparavant d’arrangement symphonique.

J’ai donc créé la version orchestrale manquante. J’ai même ajouté la section de cordes à la partie dombra virtuose de Mansur. Je suis très heureux que tout ait si bien tourné. »

Source et crédits photos Dimashnews.com